Categoria: Libri

Prefazione alla prima edizione

Un’antologia è per definizione qualcosa di arbitrario. Lo è ancora di piú per un autore che è giovane come Carmine Brancaccio e la cui scrittura – diciamolo pure – è spesso piuttosto impermeabile. Non starò quindi a dire che la scelta di pubblicare alcuni testi anziché altri è soggettiva e se l’avesse fatta un altro sarebbe stata diversa: è scontato.
I criteri da seguire per una scelta antologica possono es-sere vari: optare per i testi piú emblematici, per quelli piú riusciti, per quelli che piú rientrano in una certa area tematica o in un certo stile, ecc. Io ho seguito il criterio piú banale, ma diciamo pure piú immediato. Ho riletto tutta l’opera di Carmine Brancaccio e ho preso quei testi che mi sono sem-brati di piú facile lettura e che ho sentito a me piú congeniali e ho voluto inserire gli ultimi due libri – che possono essere considerati dei poemetti – per intero, sia pure eliminando le sezioni e le parti in prosa.
Il titolo è venuto fuori in una conversazione fatta con l’autore e mi è sembrato confacente. Il succo di limone ha lo stesso effetto dell’inchiostro simpatico: consente una scrittura segreta, che si può decriptare scaldando il foglio. Anche i versi di Carmine Brancaccio sono da decriptare, ma poi, quando uno è riuscito ad entrarvi, vi troverà una poesia molto intensa. Forse, come il succo di limone, anche un po’ asprigna, ma proprio per questa sua caratteristica – in qual-che modo – come il limone deterge e purifica.
Carmine Brancaccio si affaccia giovanissimo sulla scena delle lettere. Il suo primo libro è infatti del 1997, quando il nostro autore aveva soltanto diciotto anni. Le poesie incluse, scritte negli anni precedenti, sono sí testi di un adolescente, ma vi si nota già una certa maturità oltre che la tendenza alla ricerca lessicale e un gusto per la metafora e il simbolismo. Questa ricerca lessicale segue un suo percorso e porta Bran-caccio anche a tentare varie strade stilistiche. Ultima delle quali è quella dei versi del poemetto Le quartine di Pierrot, uscito nel 2007, dove sperimenta l’endecasillabo, sia pure piuttosto libero, sia pure frammisto ad altri versi (decasillabo, dodecasillabo, novenario, ecc.) e, appunto, la regolarità della quartina.
La tematica, che nelle prime poesie verteva eminentemente su aspetti personali e intimistici, si allarga gradualmente al pensiero universale e alla poesia civile e sociale. Col volume Fughe, i re sono giullari, del 2002, possiamo dire che comincia una nuova stagione nella poesia di Brancaccio. C’è anche una svolta stilistica, ma la svolta è soprattutto tematica, come già il titolo ci suggerisce. I tre sostantivi “Fughe” “re” e “giullari”, sono in qualche modo parole d’altri tempi, ma sono altri tempi in cui viene proiettata la contemporaneità. E infatti sempre piú i detentori del potere non sono che giullari, menestrelli alla ricerca spasmodica di un consenso che non riescono a procurarsi coi fatti e cercano nella politica-spettacolo. Con questo libro comincia “La battaglia di Ceri-man”, come recita il titolo di una poesia e Ceriman non è altro che l’anagramma di Carmine.
Il libro successivo porta il titolo Laudano. Il “laudano” è, secondo il vocabolario, un «medicamento a base di oppio, zafferano, cannella, garofano e alcol usato come analgesico, specialmente nei dolori di origine addominale». Per Bran-caccio il “laudano” è la poesia. Quindi la poesia è un anal-gesico. Magari un analgesico del tutto naturale, ma che senz’altro lenisce il duro cammino dell’esistenza e della sof-ferenza che ne deriva. La poesia assume cosí anche, cosa di cui molti sono certi, una funzione terapeutica. Ma poesia è soprattutto un modo di essere e un modo di rapportarsi con la vita.
Nell’ultimo libro, Le quartine di Pierrot, troviamo una identificazione della maschera triste (ma già nella prima raccolta c’era una poesia intitolata “La maschera”) con quello che si trova ad essere il poeta nella società e troviamo un’identificazione poeta-clown triste-Pierrot-Brancaccio. «Mi alzai dal letto un giorno incerto / e decisi di divenire unicum / con la Arte che sgambettava furente / sottobraccio, furba, ancora zotica.»
A conclusione, abbiamo inserito alcuni recentissimi testi inediti, dove ancor piú si nota la ricerca non solo lessica-le/linguistica, ma anche tematica delle metafore (come in “Ballon d’essai”, “Simplegadi”, ecc.).
«Ma giú, dove la notte negli abissi / tormenta cuori tristi in bufera, / la balena stanca canta, mera / tragedia umana che un dí “io vi cantai”. // (Siamo pronti! / Dentro o fuori! / Sim-plegadi o la notte!)».
Come dire: gli scogli o il buio. Ma forse nel poeta è il no-vello Giasone che indicherà la rotta agli uomini/Argonauti. Per la conquista non del vello d’oro ma di una consapevolez-za etica.

Venafro, 4 novembre 2007
Amerigo Iannacone

Pesche, dieci anni di poesia

Per alcuni la poesia potrebbe apparire come una pausa, un’oasi di serenità, in un mondo sempre piú concitato e in una società sempre piú ingiusta, dove i rapporti vanno sempre piú degradandosi. E forse è anche vero, ancor piú se la poesia ha per tema il presepe. Ma la poesia non è solo questo. Essa, anche quando non è poesia civile – un genere non facile – è sempre qualcosa che parla alla sensibilità dell’uomo, parla al cuore prima che all’orecchio.
La poesia, la piú umile, la piú dimessa di tutte le arti, ha una forza che sfida i secoli e che fa giungere fino a noi i testi scritti piú di due millenni e mezzo fa di Saffo e Alceo, o la poesia di duemila anni fa di Catullo e Orazio, per non citare tutti i poeti che attraverso i secoli hanno scritto una storia di civiltà, in contrapposizione alla storia fatta di guerre e di violenza.
La violenza non si combatte con la violenza, ma con l’amore. Per migliorare la società, bisogna migliorare l’uomo, parlare alla sua sensibilità.
Oggi, in una società che tende a diventare egoista, c’è bisogno piú che mai di poesia, perché «la poesia, – per citare Pascoli, di cui l’anno scorso ricorreva il centenario della morte – in quanto è poesia, la poesia senza aggettivi, ha una suprema utilità morale e sociale», perché fa riconoscere la bellezza anche in cose umili e vicine, placando “l’instancabile desiderio” e appagando un’ansia di felicità destinata altrimenti a restare vana.
Pesche, magico paese-presepe aggrappato alla montagna, da dieci anni dà il suo contributo, col Premio Nazionale di Poesia “Il Presepe”. Dieci anni non sono pochi per un premio letterario, se si pensa a tanti premi che nascono e muoiono in breve tempo. E questo, grazie in particolare all’operosità dei soci della Pro-Pesche e alla disponibilità dell’Amministrazione Comunale. In dieci edizioni sono arrivate a Pesche migliaia di poesie, di genere e di qualità varia, molte tra esse davvero valide. C’è di tutto: poesia lirica e poesia civile, poesia d’occasione e poesia intimista. Sono arrivati anche testi oleografici e talvolta un po’ retorici, ma c’è stata anche poesia davvero elevata.
E sono passati per Pesche poeti di tutte le regioni italiane. Un premio serve anche a questo. Certo serve a premiare e quindi incoraggiare i poeti, perché essi hanno bisogno di incoraggiamenti concreti, visto che i libri di poesia non si vendono. Ma serve anche a far circolare in Italia (e anche all’estero) il nome di un piccolo ma affascinante centro come Pesche e a farvi venire poeti che forse mai avevano sentito il nome del paese e mai altrimenti sarebbero venuti.
E molti dei poeti che passano per Pesche lasciano testimonianze concrete in versi dedicati al paese. Un omaggio al fascino del luogo che rimarrà nel tempo.

Amerigo Iannacone

Sono lieto, siamo lieti, del ritorno, dopo qualche anno di sospensione dovuta a cause di forza maggiore, di un evento come il Premio Letterario “Macchia d’Isernia”, che, nato nel 2006, già nelle prime tre edizioni aveva riscosso molti apprezzamenti e un’ampia partecipazione di poeti e scrittori da varie regioni. Il Premio rinasce quest’anno, dopo l’edizione del 2008, con nuove figure e con nuovo entusiasmo, grazie in particolare al proficuo supporto dell’Associazione Maccla Saracena, oltre che all’impegno dell’insostituibile Elena Grande, che del Premio è stata l’ideatrice e l’organizzatrice.
Notevole è stata quest’anno la partecipazione, sia per la quantità sia per la qualità dei testi presentati. E a volte davvero spiace doversi limitare a tre premiati e ad alcuni segnalati e dover lasciar fuori opere valide e che magari in un’altra edizione avrebbero potuto aggiudicarsi un premio. Bisogna infatti dire che quasi tutti i racconti pervenuti si impongono per il loro valore letterario e anche per i temi che affrontano. Temi legati ora alla piú scottante attualità ora alla sensibilità dell’uomo, alla sua immutabile capacità di provare sentimenti e passioni.
Per quel che riguarda la sezione Poesia, troviamo stili diversi, forme e contenuti vari, ma quasi sempre di buon livello. Eccellente la resa poetica delle poesie premiate, ma anche di molte altre, tra quelle segnalate e anche tra quelle che non è stato possibile segnalare.
In questa quarta edizione del Premio “Macchia d’Isernia” c’è una sezione in piú, dedicata alla Fiaba e alla Favola. A questa sezione la partecipazione non è stata molto ampia, forse perché istituita quest’anno per la prima volta. E comunque validi sono i testi pervenuti.
La sezione D, riservata agli alunni di scuola elementare e media, si propone non tanto di scoprire giovani talenti (cosa che pure talvolta succede), ma piuttosto di avvicinare i bambini e i ragazzi ai valori della cultura e spingerli ad amare la poesia e la letteratura in genere, confidando anche, ovviamente, nella collaborazione degli insegnanti e, perché no?, dei genitori. Si vuole cioè sollecitare bambini e ragazzi in età evolutiva ad avvicinarsi alle opere degli scrittori e dei poeti, senza timori. Anche perché prendano consapevolezza che la bella lingua italiana, una delle piú belle al mondo, non è quella corrotta di Facebook e dei messaggini telefonici, e non è neanche solo quella dei chiacchieratori televisivi, ma è anzitutto quella della poesia e della narrativa.
Il primo intendimento di questo Premio Letterario, in tutte la sue sezioni, vuole essere quello di dare agli autori non solo un riconoscimento o una gratificazione, ma anche, soprattutto, un tangibile segno di incoraggiamento ad autori – agli scrittori e ancor piú ai poeti – che il piú delle volte vengono ignorati o sottovalutati in un mondo in cui diventano valori i disvalori e viceversa. Un mondo dove chi scrive, anche se crea opere eccellenti, trova difficoltà a conquistarsi un ruolo. Chi scrive, indipendentemente dalla qualità delle sue opere, quasi mai riesce a farsi strada in una società distratta e superficiale, del tutto disattenta ai valori della cultura. Quasi che la letteratura, la poesia, l’arte, fossero un mero passatempo, un hobby della domenica, e non presupposto di civiltà e di progresso civile e umano.
Inoltre, un Premio come il “Macchia d’Isernia”, pur coi modesti mezzi di cui dispone, ha anche una altro merito non certo irrilevante: porta il nome di un piccolo centro in tutte le regioni italiane e porta al paese poeti e scrittori, che forse mai ci sarebbero venuti, e che potranno lasciarne testimonianza nelle loro opere.

Amerigo Iannacone

La vita è inciampare fra sogni (fingendo a volte di non riuscire a svegliarsi), sapendo bene che sono sogni – poi ci si scuote, presi da nuove occasioni e sospinti ad altri lidi... Siamo vagabondi in cerca di rive amiche e ospitali, siamo naufraghi emersi alla veglia, siamo sognatori disillusi che si aggrappano alla luce appena intravista, per non cadere un'altra volta nel buio (dipingendo magari una finta luce sul proprio cammino, quando non riescono a forare la grigia coltre che li ancora alla banalità delle immagini del quotidiano).
È vero, a volte, están de sobra las palabras... e quelle che appesantiscono il dire vanno eliminate. La misura del verso è "misura di vita". Cadono hasta agotarse, le parole, come dentro una clessidra i granelli di sabbia, e segnano "istanti di cristallo": è una sospensione continua fra immagini mentali e realtà che viene fotografata e virata in camera oscura, prima di essere cristallizzata in una foto. Artefici di vere immagini, le parole, se riusciamo a leggerle come nostre.
La vita del poeta – sempre misurata – è un succedersi di parentesi, un rincorrere dentro e fuori momenti da gustare e testimoniare (schizofrenia del guardarsi allo specchio), per farne "sculture" verbali e lasciarle in esposizione – contro il tempo non c'è altra medicina che fissarlo nella memoria, appena vissuto (o sognato...) un istante, messo nell'album e così custodito, esorcizzando la stessa paura del tempo che passa, superando le incertezze di un approccio al domani, certi che il momento vissuto oggi (o sognato!) ci fa più forti (e pronti all'imprevisto).
È la nostalgia del futuro che vizia spesso la nostra esistenza pellegrina: saremo... chi? E stiamo lì a pensare senza risolvere, catturati da "momenti di lirismo delirante" che infine costituiscono una straordinaria "metafora di quello che siamo e quello che vorremmo essere"... Poiché non tutto è possibile dire, non tutto si dice.
Tradurre Gustavo Vega è una scommessa non facile da vincere – non sempre vinta. Ma è pure un gioco esaltante inseguirlo a scoprire nei versi la parola che ne apra il senso e riconduca alla chiave del testo – è un gioco che si può anche perdere: vale sempre la pena essersi messi in gioco! Seguendo le regole che l'autore fa finta di spargere sulla carta: è un gioco anche questo, poiché le regole sono fluttuanti, aleatorie, provvisorie e si scompongono "nel disarticolarsi del senso stesso del linguaggio attraverso la materializzazione della scrittura".
Anche dipingere la luce è una scommessa difficile - non sempre ci riesce il pittore, ma forse il poeta lo può: la parola può dire i colori e indicarne i rapporti e le tonalità, chiarirne perfino le più lievi sfumature. Certo, "la luce" non è quella che si vede, non è la luminosa essenza che fa giorno il giorno: la luce che "dipinge" il poeta è la sua mente, l'intelligenza che gli consente di leggere il mondo e il tempo che lo regola. La luce del poeta è la parola stessa che dice chi è il poeta.
Denudare il linguaggio (come fa – ormai da decenni – Gustavo Vega) e rappresentarlo nelle sue funzioni minimali non avviene per un semplice vezzo estetico, ma per esporre una riflessione sul sentire poetico e sulle stesse capacità umane di sentire il linguag gio come spazio di libertà, non delimitato dalla pagina in cui si presenta. D'altra parte, la poesia non è solo parola, non la parola in sé, ma il rapporto che essa stabilisce con altre parole, con immagini e suoni a cui si richiama o che lei pure stabilisce o suggerisce, perfino nella disposizione che il testo assume.
Un equilibrio sottile domina e regge i versi di Gustavo Vega, il suo giocare con le parole e con la loro presenza sulla carta, la sperimentazione continua di accostamenti e slittamenti verbali. È l'equilibrio che tiene in bilico le ombre e le illusioni di una vita ("sculture schizofreniche") in equilibrio fra il dicibile e il non detto, instabile precarietà dell'essere che cerca di affermare almeno il suo diritto ad essere chi è.

Giuseppe Napolitano

Filippo De Angelis è senza dubbio tra le piú felici scoperte fatte dagli anni (oramai innumeri) che frequento – letterariamente parlando – la regione molisana, cosí fertile in termini di cultura, di storia e di arte.
E se è vero che il De Angelis non è molisano di nascita, lo è però di adozione. Sicché gli anni vissuti per ragioni di servizio nel Venafrano, gli sono bastati perché dall’ambiente assimilasse l’amore per la poesia, e – bisogna aggiungere – per il bel verso.
Cosí, dopo la prova – positiva – compiuta con la silloge in vernacolo reatino Peraforte de ’na ota e de mo’, dove si rivela appassionato cantore di trascorse civiltà paesane dell’entroterra laziale, il dinamico Colonnello delle Forze dell’Ordine, in pensione da qualche anno, del quale si apprezza una apertura mentale ad ampio raggio, torna a corteggiare il vocale Elicona, e stavolta affidando all’itala cetra il suo fecondo estro creativo.
Il titolo, che suona E non è mai troppo lungo il giorno, è già di per sé rivelatore di un modo d’essere di una personalità forte, di un temperamento inappagato, e segnala nell’autore un animo – vichianamente parlando – perturbato e commosso, che non conosce momenti di noia o di stanca, i cui sensori vitali ancora conservano una intatta capacità recettiva. Scrive infatti a chiusura della lirica che dà il titolo al testo: «… / vivo la vita che mi vive intorno, / che mi bisbiglia piano, sottovoce / e non è mai troppo lungo il giorno». Da tale bisogno di esserci, di continuare a partecipare alla gran festa della vita, si origina nel poeta un malinconico interrogativo, quando arriva a dubitare del ruolo di “livella” che Antonio de Curtis (l’universale Totò) riconosce alla morte nel ben noto carme in dialetto napoletano. E il dubbio nasce dall’empietà con cui la “falce” di Atropo non si fa scrupolo di stroncare vite di bambini appena approdate sulle “splendenti plaghe della luce” discriminando cosí tra creature piuttosto che livellando in termini di opportunità.
Tanta reattiva ipersensibilità del De Angelis è percepibile dal sovrabbondare – nella raccolta – di motivi poetici che, distribuiti secondo il variar quotidiano dell’umorale status interiore del poeta (In “Autoritratto”: «io scrivo di getto / pensieri improvvisi. / Son troppo diretto»), si formalizzano spaziando tra intimismo, sensualismo, paesaggismo e attenzione al sociale. Né mancano passi dove rimontano prepotenti le memorie; dove – in special modo in chiusura – si affronta in termini accorati ma virili l’inesorabilità del tempo che passa.
Le pagine – o almeno gli stralci – da citare per ciascuno dei motivi individuati a mo’ di esempio sarebbero innumerevoli, sicché me ne esimo lasciando al lettore il piacere di un approccio senza mediazioni. Ma una – delle pagine, dico – voglio proporla per la pregnanza significante che vi si condensa: «Il filare ormai rosso / annuncia un autunno precoce / mentre grappoli / cadono sapidi / nel cesto / un raccolto odoroso / un profumo fruttato / e le api la spola incessante / per l’arnia / ultimi contributi / alla regina / anche il mio autunno / già tende sul rosso / e l’ape regina / tra figure e le rime / raccoglie i frutti / maturati sul tardi / a te mia Regina / il pensiero commosso.»
Di forte impatto metaforico e di grande bellezza l’immagine di una vita feconda, che si trasfigura in vigna grondante di buon frutto in un «autunno» che «già tende sul rosso».
A tal punto del discorso l’obiettivo del prefatore deve puntare sull’assetto metrico. E l’assetto si presenta variegato nel senso che accanto a un visibile, per me gradevolissimo, recupero della tradizione, da cogliersi nel ritorno dell’endecasillabo, del novenario, del settenario etc., sistemati in un contesto ritmico e di rima non rimesso al caso, si evidenzia anche l’adozione di costrutti liberi, svincolati da prefissati modelli, con drastici tagli sulla punteggiatura e ricorso a soluzioni ellittiche che solo di rado tuttavia rasentano i limiti della impenetrabilità, quasi che il De Angelis intenda sfidare le poetiche dei modernissimi sul piano della essenzialità descrittiva.
Il volume, visto nella sua complessità, è testimonianza di una natura fervida, mossa da tensioni umane e culturali che periodicamente risalendo dagli anfratti dello spirito si riversano all’esterno facendosi parola. E l’amore per la parola è l’elemento, connotativo forse piú che ogni altro, dell’intera silloge, che viene oggi ad arricchire la già ricca collana poetica delle Edizioni Eva.

Aldo Cervo